En el plano comercial, el fin de semana se encuentra estelarizado por un lanzamiento específico que tiene asegurada la taquilla, más allá de lo que digan los críticos. Y es que ya sabemos lo mucho que gustan las producciones de superhéroes, más allá de que se diga ahora que estas se encuentran de capa caída.
Sin embargo, en términos de prestigio y calidad, una misma película tendrá que competir con la simultánea de varias películas que prometen tener un gran protagonismo en las próximas entregas de premios por sus méritos artísticos. A continuación: los detalles.
AQUAMAN AND THE LOST KINGDOM
Director: James Wan
Protagonizada por: Jason Momoa, Patrick Wilson, Amber Heard
Género: Superhéroes / Acción
Cinco años después de su última aparición en el universo live-action, Aquaman de Jason Momoa regresa a los cines de todo el mundo con una película que dividirá a críticos y entusiastas por el suave tratamiento que brinda a las aventuras de su protagonista.
“Aquaman and the Last Kingdom” es una secuela directa de “Aquaman” (2018), lo que llama la atención en vista de que, en la mayoría de los casos, las cintas individuales de superhéroes tienen a sus espaldas otras cintas en las que ha aparecido el mismo personaje, lo que obliga al espectador a estar familiarizado con una multitud de detalles que complican la apreciación del trabajo más reciente.
En este sentido, la película existente no sólo llega sin peso innecesario, sino que también acentúa el carácter lúdico y superficial de su predecesora, dirigida por el mismo cineasta, James Wan («Saw», «Furious 7»). El tono cordial sin duda desagradará a quienes celebran los avances de ese tipo de producciones en términos de construcción de personajes y desarrollo de cuentos, pero, a esta altura, debido a la saturación de esas mismas propuestas, el concepto sigue siendo refrescante.
En este caso, Arthur Curry/Aquaman, que se casó con Mera, la reina de la Atlántida (Amber Heard) y se ha convertido en un hombre de familia, tendrá que intercambiar su vida en la superficie de la Tierra con sus pinturas como monarca de la misma. dominio submarino. . . Pero la llegada de un nuevo peligro representado a través de un viejo enemigo, David Klane/Black Manta (Yahya Abdul-Mateen II), le obliga a volver al campo de batalla y buscar la ayuda de su medio hermano Orm Marius ( Patrick Wilson), quien fue procesado por él mismo al final de la primera entrega.
Aparte de la observación práctica e inocente sobre el cambio climático y la dinámica familiar, la historia que se ofrece en «El Reino Perdido» es una mera excusa para la creación de una descarada película de entretenimiento de Hollywood que presenta momentos divertidos, impresionantes escenas de acción y lugares fantásticos. .
Es decir que la película es buena, ni que no podría haber sido mejor con la presencia de personajes más atractivos, con condiciones más creíbles (incluso en el tipo de verdad que trata), con efectos especiales menos dependientes de la tecnología virtual. (hay momentos que parecen sacados directamente de un videojuego), y sobre todo con una suerte de química entre Momoa y Heard.
Se sabe ahora que, debido a lo sucedido con Johnny Depp, la relación entre los dos actores no fue precisamente ideal durante el rodaje; pero nunca pensamos que eso perjudicaría tanto lo que se ve en la pantalla. Lo que sí parece bastante seguro es que no los veremos más juntos.
LA SOCIEDAD DE LA NIEVE
Director: J. A. Bayona
Protagonistas: Enzo Vogrincic Roldán, Matías Recalt, Agustín Pardella
Género: Drama histórico de supervivencia
Sólo se conoce el caso del accidente aéreo ocurrido en un recóndito dominio de los Andes a principios de los años 70, que dio lugar a un violento drama de supervivencia de 72 días en el que hubo canibalismo y que fue perpetrado accidentalmente a través de un equipo de rugby uruguayo. en Latinoamérica.
Debido a su alto perfil internacional y a los debates morales que suscitó, el caso fue llevado a la pantalla grande por Frank Marshall en “Alive” (1993), una película estelarizada por Ethan Hawke que convenció a la audiencia y a los críticos en su momento, pero que no dejó satisfechos a los supervivientes de la vida real debido a que se encontraba evidentemente emplazada en otro territorio (se rodó en Canadá) y estuvo completamente interpretada por actores anglosajones.
Las cosas pintan de otro modo en «La sociedad de la nieve», que llega este viernes a las salas antes de su estreno el 4 de enero en Netflix. Es también la candidata española a competir en la categoría de Mejor Película Internacional de los Oscar, y ya ha sido nominada en el segmento de Mejor Película en Lengua Extranjera de los Globos de Oro.
Resulta que, en este caso, el mismo cuento se presenta en español, a través de un elenco compuesto por uruguayos y argentinos y con un sentido de autenticidad reforzado a través de los intentos de reproducir minuciosamente la apariencia de lugares genuinos. tomas tomadas en el complejo entorno original y superposiciones virtuales de tomas filmadas en Sierra Nevada, España.
El deseo de acercarse más a los sentimientos de los supervivientes en medio del devastador suceso se traduce en el empleo de un libro reciente que incluye testimonios de cada uno de ellos a manera de capítulos, y que se titula del mismo modo que el filme. Una de las diferencias con lo que se ha visto anteriormente es que, a diferencia del filme de Marshall, este pone a lo espiritual por encima de lo religioso.
Pero la novedad mayor es la decisión tomada por el director y coguionista J.A. Bayona (“The Impossible”, “El orfanato”) para colocar como protagonista y narrador a uno de los fallecidos, Numa Turcatti (interpretado por Enzo Vogrincic Roldán), lo que le permite ofrecer una perspectiva ausente en todos los trabajos guionizados o documentales del pasado.
Bayona, de origen español, es también un magnífico director que sabe filmar con brillantez situaciones de crisis que suceden en la vida real (lo demostró en «Lo imposible») y secuencias íntimas que revelan la verdadera naturaleza de sus personajes. Y en este caso , consigue conmovernos y acercarnos más que nunca a los seres humanos cuyo impactante deleite conocemos desde lo más sensato hasta el fondo.
COSAS POBRES
Director: Yorgos Lanthimos
Protagonistas: Emma Stone, Mark Ruffalo, Willem Dafoe
Género: Comedia Negra / Fantasía
Si lo tuyo no son las mega producciones hollywoodenses volcadas al entretenimiento más simple y desprovistas de carácter propositivo, tu mejor estrategia en estos días es evitar por completo la publicitada entrega de superhéroes que se encuentra en casi todas las salas y dirigirte hacia los cines selectos que exhiben ya la delirante, desafiante y estupenda “Poor Things”.
Además de ser la nueva película del maravilloso director griego Yorgos Lanthimos, con muchas posibilidades de estar nominada en categorías en los Oscar y haber ganado siete nominaciones a los Globos de Oro (entre ellas Mejor Película – Musical o Comedia y Mejor Actriz – Musical o Comedia), «Poor Things» presenta una actuación impresionante a través de Emma Stone, quien también es productora.
Dada la reputación de su creador, que escenificó escenas de incesto dentro de un círculo familiar profundamente disfuncional en «Dogtooth» (2009), exponiendo a sus personajes a la opción de convertirse en animales salvajes si no encontraban temporalmente un cónyuge romántico y sexual en » The Lobster» (2015), y que nos llevó a un adolescente problemático que se obsesiona con un médico en «The Killing of a Sacred Deer» (2017), no es de extrañar que «Poor Things» siga un camino pedregoso.
Watson protagonizó la cinta anterior de Lanthimos, “The Favorite” (2018), un trabajo de época considerablemente medido para lo que se esperaba del realizador. En este caso, asume el rol más intenso de su carrera al entregarse a Bella, una muchacha de la época victoriana cuya extraña conducta está íntimamente relacionada con los experimentos desarrollados por su protector, el extravagante y deforme científico Godwin Baxter (Willem Dafoe).
Pese a estar comprometida en matrimonio con Max (Ramy Youssef), el joven e inofensivo asistente de Baxter, Bella decide emprender un largo viaje al lado del inescrupuloso abogado Duncan Wedderburn (Mark Ruffalo), fomentada por sus deseos incontenibles de conocer el mundo.
El descubrimiento será sólo geográfico y cultural, pero también –y sobre todo– profundamente sexual, lo que expone a Stone permanentemente –y en más de una táctica. Pero donde más brilla la ganadora del Oscar es en la progresión mental de un personaje que, en el en medio de su confusión herbal, es extraordinariamente divertido y alegremente extrovertido.
Debido a características que preferimos no revelar para no caer en ‘spoilers’, y que resultan sin duda controvertidas, Bella se comporta con una inocencia inaudita para alguien que luce como ella. El guión, escrito por el australiano Tony McNamara (“The Favorite”) sobre la base de una novela del escocés Alasdair Gray, se esmera por evitar los juicios morales y por ponerse del lado de su protagonista, lo que le quita el carácter profundamente perturbador que han tenido otras obras del mismo autor, hasta el punto de que esto podría ser considerado legítimamente como una comedia.
Esta circunstancia ha generado ya polémica en diferentes círculos, incluido el feminista, porque Bella incurre en actividades de servicio -por llamarlas de algún modo- que benefician básicamente a los hombres. Pero esto no le quita ni una pizca de poder a una cinta que se encuentra estupendamente filmada (el paso del blanco y negro al color y el ambiente surreal con que se retrata todo están plenamente justificados) y que, de todos modos, se desarrolla en una suerte de universo paralelo, pese a transcurrir supuestamente en la Europa del siglo 19.
GARRA DE HIERRO
Director: Sean Durkin
Protagonizada por: Zac Efron, Jeremy Allen White, Harris Dickinson
Género: Deportes y drama biográfico
La globalidad de la lucha libre profesional ha sido tema de producciones cinematográficas, entre ellas la recreación de historias directamente similares a clanes de sangre, como sucedió recientemente en «Fighting with My Family» (2019), drama protagonizado por Florence. Pugh quien se animó a través de la Informes de la vida real de los Bevis, que se originaron en Inglaterra.
Ahora, los reportajes de Texas de los Von Erich llegan a la pantalla grande gracias al esfuerzo de Sean Durkin, director de «Martha Marcy May Marlene» (2011) y «The Nest» (2020), y gracias a un notable funcionalidad a través de Zac Efron, quien todavía es recordado por muchos como el ídolo juvenil de la saga «High School Musical» (2006-2008) y otras comedias de la época, pero que últimamente ha dado síntomas inequívocos de habilidad histriónica en temas como «Extremely Wicked, Shockingly Evil and Vile» (2019) y «Gold» (2022), donde sus atributos físicos no eran indispensables.
Para ser claros, los músculos de Efron no sólo juegan un papel importante en «La Garra de Hierro», sino que están más evolucionados que nunca y se implementan en muchas de las escenas de combate, ya que él mismo interpreta a Kevin Von Erich, el miembro de la familia extendida que dio a luz al El mayor peso del deber en la etapa de máximo éxito de Von Erich.
Pero el presente filme no es únicamente una recopilación de combates sobre la lona, de enemistades fuera de ella y de competitividades inevitables, sino también un drama con profundas aristas psicológicas que responde a las numerosas tragedias que afectaron a esta familia, manejada por un patriarca dominante que respondía al nombre de Fritz Von Erich (y que es brillantemente interpretado por Holt McCallany).
Estos son casos que no son inusuales para cualquiera que esté familiarizado con la disciplina, pero que, si se revelan, serían «spoilers» para quienes miran esta película sin darse cuenta.
De todos modos, hay que decir que en medio de todos los dramas que observamos, Kevin mantiene el punto de vista máximo moderado y compasivo sobre todos los participantes, ajeno a las explosiones de ego y celos de quienes lo rodean; y, más allá de las proezas físicas, Efron hace creíble esta faceta de la personalidad del luchador.
THE TEACHERS’ LOUNGE
Director: Ilker Çatak
Protagonistas: Léonie Benesch, Michael Klammer, Rafael Stachowiak
Género: Drama
No basta con ser un usuario justo y tener intenciones inteligentes para hacer que las cosas salgan como deben o simplemente ser respetadas. Y esto es muy claro en «The Teachers’ Lounge» («Das Lehrerzimmer»), el drama alemán perfecto que se estrenará el 25 de diciembre en el Laemmle Royal y que ha sido seleccionada a través de su país natal para constituirse en la carrera por los Oscar.
La protagonista de la historia es Carla Nowak (Leonie Benesch, excelente), una joven profesora de origen polaco que empieza a correr en un colegio de secundaria en Alemania y que tiene como objetivo en el mundo ser justa en su trato con los alumnos que enseña, se adapta a la forma.
Sin embargo, después de que comienzan a circular acusaciones de robo que supuestamente implican a algunos de ellos, se ve envuelta en un caso que temporalmente la pone entre la espada y la pared, enfrentándose a una organización de académicos que están empezando a darse cuenta de esto. . con recelo y un círculo de docentes que buscan imponer la normativa de forma más clásica.
Filmando con un ‘ratio’ de 4:3 para enfatizar la sensación de claustrofobia que empieza a imponerse a medida que las cosas se complican, el director y guionista İlker Çatak impone inicialmente un fuerte sentido de realismo social, pero termina metiéndonos de lleno en un ‘thriller’ cuyas vibrantes cuotas de suspenso no esperábamos ver en una producción que, además de la temática que maneja, se limita a una sola locación.
MAESTRO
Director: Bradley Cooper
Reparto: Bradley Cooper, Carey Mulligan, Matt Bomer
Género: Drama biográfico
Al final de la película, Bradley Cooper hace lo que posiblemente sea el mayor esfuerzo de expresividad de la producción al retratar al mítico director y compositor Leonard Bernstein en medio de una actuación que lo muestra sudoroso y apasionado, y que está filmada en una sola toma.
Por supuesto, vale la pena ver el momento, pero no necesariamente es el máximo representante de «Maestro», una película dirigida, coproducida y coescrita por el propio Cooper que se estrena este viernes en Netflix después de haber sido proyectada brevemente en algunas películas. y que ya cuenta con 4 nominaciones a los Globos de Oro, sumando Mejor Película Dramática.
De hecho, aquellos que esperen obtener puntos principales sobre el procedimiento artístico del mítico compositor de «West Side Story» o profundizar en sus técnicas al mando quedarán profundamente decepcionados después de ver esto.
Donde sobresale la película es en la progresión mental de sus personajes; y lo decimos en plural porque, aquí, Bernstein no es el único protagonista, sino también su esposa Felicia Montealegre, confiada a la actriz británica Carey Mulligan («Drive», «La joven prometedora»). Montealegre, que también fue actriz actriz, nació en Costa Rica y creció en Chile, por lo que tenía mucho sentido que fuera interpretada por una latina; sin embargo, el hecho es que Mulligan no lo hace nada mal.
De lo contrario. Las interacciones comunes que tiene con Cooper en la película son el aspecto más notable de la película, y lo que le da una sensación de autenticidad y realismo que quizás no se hubiera logrado sin la vida de un guión tan sólido, con un talento tan talentoso. . Actores y puesta en escena tan efectiva.
Por cierto, Bernstein y Felicia no son los únicos que se comunican extensamente; Hay conversaciones que involucran a otras mujeres de la familia, como Shirley, la hermana de Leonard, interpretada por Sarah Silverman, y Jaimie, la hija de Leonard y Felicia, interpretada por Maya Hawke. Es evidente que Cooper buscó pintar el aspecto más íntimo y doméstico de genio musical, lo que le lleva a olvidarse de su participación activa en el movimiento por los derechos civiles y de sus intereses humanitarios. Tampoco se menciona su carácter judío, que se expresa de forma poco común.
«Maestro» es una pintura que celebra y admira a Bernstein, por supuesto, y da una mirada compasiva a los conflictos generados por la aceptación de la propia bisexualidad, pero no busca respaldar fácilmente sus ataques de inseguridad, infidelidades y contradicciones, incluso si no hace ninguna mención verbal de cómo su tabaquismo constante (porque, visualmente, parece fumar en casi todas y cada una de las escenas) es similar al enfisema que acabó con su vida.
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Escribe artículos de entretenimiento en Los Angeles Times en Español y lo hizo anteriormente en todas las ediciones impresas de HOY Los Ángeles. Previamente, trabajó como colaborador con el diario La Opinión. Inició su carrera periodística como redactor y luego editor del suplemento de entretenimiento “Visto & Bueno”, publicado por el diario El Comercio de Lima, donde hacía también críticas de cine.
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